La Escuela Rusa
Primer periodo
Después de Pedro el Grande, todo el “arte erúdito”, “oficial”, estaba confiado a los extranjeros, italianos, alemanes y algunas veces franceses. Esta xenofilia no concernía solamente a la música, sino también a las demás artes y al conjunto de la vida cultural del país, ya que, en la época romántica, Alexander Pushkin, el máximo poeta ruso, confesará: “La lengua de Europa (es decir el francés) me es más familiar que la nuestra”.
El arte popular o de inspiración popular no tenía derecho de ciudadanía: es cierto que los señores disponían de capillas reclutadas entre sus siervos, que ejecutaban admirablemente los canto populares, pero se trataba de “amores culpables”: gustaban estos coros lo mismo que gustaba la música cíngara, como una diversión de poca categoría que no había que tomar en serio. Glinka debió de darse cuenta de ello cuando, después de haber hecho interpretar su primera ópera, Iván Susanín, en 1836, supo que se le reprochaba que “los cocheros no cantaban otra cosa en la calle......”.

Ciertamente, las guerras de Napoleón habían provocado un despertar del patriotismo, obligando a los rusos a volverse hacia el patrimonio nacional, y conduciendo a los propios extranjeros a utilizar temas folklóricos en sus composiciones; pero, según la expresión de un crítico de la época, se apresuraban a “mojar sus temas en una salsa a la moda italiana”. Ya que todavía no se le había ocurrido a nadie proclamar, como la hará más tarde Glinka: “Somos autores de arreglos al servicio del pueblo”, y la música rusa, en estas condiciones, tuvo muchas dificultades para sus títulos de nobleza.

Glinka es considerado generalmente como el padre de la música rusa. En efecto, Glinka, con su Iván Susanin e incluso con Ruslán y Ludmila, sólo encontró verdaderos partidarios en algunos jóvenes y en la persona de Dargominski. Este último, por una parte, decidió también seguir el camino nacionalista trazado por Glinka; por otra, sin haberlo deseado expresamente, se convirtió en el polo de atracción, el confidente y el guía artístico de un grupo de audaces autodidactas compuesto por Balakirev, Cesar Cui, Borodín, Musorgsky y Rimski-Korsakov: el célebre grupo de los “cinco”.

Glinka y Dargomijski han dominado el primer período de la escuela rusa, esencialmente colocada bajo el signo de una fórmula grata a Glinka: “Con los mismos lazos legítimos del matrimonio, quisiera poder unir el canto popular ruso con la vieja fuga de Occidente”. El segundo período será el del grupo de los “Cinco” y de Tchaikovsky.

Segundo Período
Los jóvenes rusos de 1860 se encuentran entre diversos fuegos. Por una parte existe el eterno conflicto, entre los “eslavófilos” y los “occidentalistas”. Unos están ligados al genio ruso, a la cultura autóctona; desconfían de las importaciones occidentales, que no responden a los aspectos del “alma eslava”, y juzgan que el patrimonio nacional, en todos los campos, es lo suficientemente rico para bastarse a sí mismo. “Los occidentales”, apelan al deseo de civilización universal, a las tradiciones de Pedro el Grande y a su “ventana abierta sobre Europa”, y pretenden considerar a Rusia como un país de Europa occidental. Este conflicto aparecerá también en la música rusa.
Otra fuente de conflictos es la inquietud moral, social y política que reina en los senos de la joven generación. La Revolución francesa primero, la revuelta de los decembristas seguidamente ha producido sus frutos, reina un espíritu liberal cada vez más intenso que terminará, el 19 de febrero de 1861, la abolición de la servidumbre. Muchos pequeños propietarios se arruinan de la noche a la mañana; se abre un abismo entre los “absolutistas” y los “ liberales”, que contribuye a incrementar las inquietudes de la juventud; algunos (como Dostoievski y Musorgski) prevén ya cierto trastornos singularmente profundos.

Finalmente, una “pregunta maldita” atormenta al ruso de 1860, la de la utilidad práctica y social de su propia existencia; no se trata de vivir para los placeres de la vida, sino de servir, a fin de no encontrarse entre la categoría de los “hombres en número excesivo”, de los Oblómov. “El hombre es un animal sociable, y no podría ser otra cosa” declara Musorgski, debe, pues, tratar de vivir en sociedad, de hacer de la sociedad el sólo objeto constante de todas sus preocupaciones. Salir de su concha y perfeccionarse para la mayor gloria de la suma humana, tal es el objetivo de una juventud que, antes de haber leído a Tolstói, se apasiona por Proudhon y por una novela “filantrópica” de Chernisheveski: ¿Qué Hacer?... En resumen, idealistas y “materialistas populistas” se oponen, y este otro conflicto se reflejará en la literatura, en el arte, en la música...

Situación Musical
No era brillante, si juzgamos por el testimonio de Antón Rubinstein, músico cortesano y no sospechoso de parcialidad: “La ópera rusa tenía entonces, y tuvo todavía durante bastante tiempo, muy mala prensa. Yo escribí mis óperas en italiano y en alemán precisamente porque el teatro ruso era refractario a la ópera y porque la elite de la sociedad no tenía ninguna cultura musical. Había muchos aficionados cuyos juicios sobre la música eran totalmente estrechos y falsos. No se pedía a las artes, y particularmente a la música, más que cosas capaces de adular el gusto por la trivialidad. Las melodías de las obras que estaban de moda, de Piccini, Rossini, Bellini y Tutti quanti, pasaban por modelos incomparables de gracia, de belleza, de profundidad. Se era incapaz de comprender otras bellezas que las melodías simples y fáciles de esas obras. No quería reconocer a la música una misión seria...”

No había conservatorio en Rusia, por falta de “clientela”, a los nobles les repugnaba transformarse en “historiadores” y en cuanto a los demás, nadie se preocupaba de ellos. Aparte de que, para adquirir un mínimo de conocimientos teóricos, había que ir a estudiar a Europa, como Glinka. Por la fuerza de las cosas, los jóvenes rusos a los que atraía la composición tenían que ser autodidactas, y éste fue el caso de Dargomijski, el primero de los “grandes empíricos” rusos, precursor de tantos otros, empezando por los miembros del grupo de los “Cinco”.

Dos Clanes Rivales
Por una coincidencia singular, durante el mismo año 1862 fueron fundado el grupo de los “Cinco” y el primer conservatorio ruso, el de San Petersburgo, dirigido por Antón Rubinstein.
Desde el principio, la enseñanza que se practicaba en este conservatorio provocó una autentica revuelta por parte de los “nacionalistas eslavófilos”. De todos modos, no dejaban de tener razón. Ciertamente era difícil recomendar otros manuales que los tratados de Marx o de Bellermann, pero la enseñanza, en sí, podía tener en cuenta la existencia de una escuela rusa. Ahora bien, la composición estaba confiada a Zaremba, un alemán rusificado pero que seguía siendo alemán de pies a cabeza, una especie de predicador capaz de inflamar a sus alumnos, pero muy mediocre como pedagogo. Además, para Zaremba, la historia de la música terminaba con Mendelsshon: Schumann ya no existía, y en cuanto a Glinka y a los demás rusos, no eran otra cosa que “salvajes”. Al hacerse campeón de esta escuela, Antón Rubinstein fundó toda una red de conservatorios, empezando por el de Moscú, cuya dirección confió a su hermano Nikolái, gran pianista. Tchaikoski fue uno de los primeros productos del conservatorio de San Petersburgo, antes de convertirse en profesor del de Moscú.
Frente a estos “académicos” se erigía el grupo dinámico de los autodidactas, conducidos por Balakirev y por Vladimir Stásov. Éste había tenido la idea de bautizarlo como “El poderoso grupito”; Los del Conservatorio trataban desdeñosamente de “vocingleros” a sus miembros.Fresdelval
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Tercer Periodo
Precediendo la aparición de Stravinski y Prokófiev, este periodo debe ser considerado como una síntesis.
Los “Cinco” y Tchaicovsky acaban de imponer la existencia de una joven escuela musical rusa. Terminada la época de las batallas espectaculares, con todo lo que pudo haber comportado de excesivo por parte de los Balakirev, los Musorgski, los Stásov, “exhaustivos” íntegros e integrales, románticos en la vida más todavía que en su música. El fanatismo no tiene ya salida, pues, antes de embarcarse en nuevas corrientes las mismas que serán descubiertas por Stravinski. Prokófiev-, conviene hacer una pausa y consolidar las posiciones adquiridas. Todo un grupo de jóvenes se esforzará en demostrar que la música rusa puede existir como “música simplemente”. No se trata ya de los autodidactas apasionados, sino de profesionales serios formados en el conservatorio de San Petersburgo o de Moscú, sirviendo la amistad de Rimski-Korsakov y de Tchaivkosky como lazo de unión entre las dos escuelas.

Cada una de ellas conserva su personalidad. Los moscovitas, alumnos de Tchaivskosky y de Serguei Taneiev, son más “occidentales” en sus gustos, y, lo quieran o no, sufren la influencia del romanticismo retrasado de sus maestros. Los petersburgeses, formados bajo la dirección de Rimski- Korsakov y de Liádoy, conservan un fondo nacionalista y folclórico, aman lo fantástico en música. Dos músicos representan perfectamente y encarnan estas dos escuelas: del lado petersburgués, Alexander Glazunov, que condujo la empresa de los “Cinco” al culto del clasicismo; frente a él, Alexander Scriabin, que, después de haber admirado a Chopin, descubre los poemas sinfónicos de tendencias filosófica de Richard Strauss y quiere sublimar sus partituras hasta el punto de hacerles expresar un mensaje teosófico.
Estos dos, el prudente y el innovador, aparecen como los campeones de una escuela donde bastante arbitrariamente, como siempre que se produce una clasificación podrían reunirse, por una parte, Liádov, Grecháninov, Nikolái Cherepnín, Soloviev; y por la otra parte (del lado moscovita), Tanéiev, Arenski, Rachmáninov, Medtner, Kalínnikov, Liápunov, los Conus, Vasilenko...

Nacionalistas Rusos
En Rusia, la música nacionalista comenzó con Mikhail Glinka, quien es recordado por la opera 'Una Vida Para el Zar'. Glinka y Alexander Dargomyzhski inspiraron a un grupo de compositores a juntarse y más tarde ser conocidos como “Los Cinco” para crear música basada en la cultura rusa. La ópera de Dargomyzhski “El Convidado de Piedra” fue como una Biblia para la nueva escuela.
De los cinco compositores, Cesar Cui y Mili Balakirev, los únicos músicos profesionales del grupo son poco conocidos hoy. Un tercero, Alexander Borodin, es recordado fugazmente por su poema orquestal “En las Estepas de Asia Central” y por “Los Bailes Poloneses” de su ópera 'Príncipe Igor'.

El cuarto compositor, quien fue el que más se acercó a crear una verdadera música de origen ruso, fue Modest Musorgski. Ritmos folclóricos y escalas inusuales de música de la iglesia ortodoxa rusa caracterizan sus piezas. Sus trabajos incluyen una pieza para orquesta titulada “Noche en Monte Calvo”, y “Cuadros en una Exhibición”, un conjunto de dos piezas de piano que fueron más tarde arregladas para orquesta por el compositor impresionista francés Maurice Ravel.

El quinto miembro del grupo, Nikolai Rimski-Korsakov, escribió composiciones dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal vívido. Él es recordado por su ópera “El Gallo De Oro” y su suite orquestal “Scheherazade”. En su poderosa overtura “Gran Pascua Rusa” el uso temas de la iglesia rusa.

Peter Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban un brillante tono y color. Su sexta sinfonía (“Patética”) es de todos conocida, y realizó, también la música de tres famosisimos ballets: “El Cascanueces”, “La Bella Durmiente” y “El Lago de los Cisnes”. La overtura de 1812, la “La marcha Eslava”, Y “El capricho Italiano” han sido programadas tan a menudo que se consideran “Caballos de Guerra”

COMPOSITORES NACIONALISTAS RUSOS

Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Sus influencias en Balakirev, quien se autodenominó líder del grupo de cinco compositores nacionalistas, fueron considerables. De niño tomó lecciones de piano de un pianista irlandés, John Field, pero en aquel entonces su relación con la música se mantuvo puramente a nivel de aficionado, hasta su visita a Italia y en 1833 a Berlín, las cuales permitieron que concentrara sus estudios y consecuentemente un grado mayor de seguridad en sus composiciones, las cuales ganaron una real atención en su país como en en extranjero.
Sus operas rusas ofrecían una síntesis de la manera de operar del occidente pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico. Glinka murió en Berlín en 1857. Refiriéndose a la personalidad de Glinka, con pleno derecho los rusos le consideran “El sol de la música rusa”

Su creación, iluminada con la luz de las tradiciones espirituales de la cultura rusa, ha definido el camino del desarrollo de la música clásica rusa a lo largo de todo el siglo XIX. Gracias al alta instrucción, la grandeza del pensamiento, el saber alcanzar el nivel de la generalización filosófica, discutiendo el problema de “lo ruso y lo europeo”, Glinka hace unir los logros del arte musical extranjero con la canción popular rusa. A lo mejor, la frase suya que se ha hecho proverbial, exprese su idea principal de música: “El pueblo es el que crea la música, nosotros, los artistas, solo la arreglamos”.
Dos operas geniales de Glinka “La vida por el zar” (1836-1844); “Ruslan y Ludmila” (1845-1857). le hacen famoso no solo en Rusia, sino en el mundo entero.
“La vida por el Zar”, cuyo estreno tuvo lugar el 27 de noviembre de 1836, paso a la historia de la cultura rusa como el cumpleaños de la opera clásica nacional. La originalidad de Glinka se manifestó en su capacidad de encarnar por medios musicales el conflicto principal entre dos fuerzas contradictorias:-el pueblo ruso y los invasores polacos.
Años mas tarde, Glinka visita España. Estudia ávidamente cultura y vida casera españolas, reside en Fresdelval. La imagen romántica de España se forma a base del conocimiento de la vida real, las tradiciones, la música. El folclore español dicta al compositor un método especial en arreglar las cuestiones del material, forma y orquestación. Las nuevas ideas de Glinka fueron plasmadas en “Las oberturas españolas”.

Durante toda su vida Glinka iba componiendo varios romanceros y canciones. Entre las mejores romanzas del gran maestro figura la celebre elegía: “No me seduzcas” ( letra E.A. Baratinsky). Dejándose llevar por el genio de A.S. Pushkin el maestro crea tales romanzas como: “Estoy aquí, Inesilla”, “El céfiro de noche”, “La llama del deseo arde en la sangre”....
Así mismo, Glinka ha creado mas de 70 composiciones vocales, y otras obras musicales, que forman el caudal de la música rusa:

Operas
Su primera opera “Una Vida para el Zar” fue muy bien recibida en su debut en 1836. Su segunda opera completa “Ruslan y Lyudmila” con un libreto de Pushkin, tuvo menor aceptación en su debut en San Petersburgo en 1842. La overturas para estas operas fueron extraordinarias.

Música Orquestal
Viajar fuera de su país inspiró su influencia española de la Jota Aragonesa, un “Capricho Brillante” también conocida como “La Primera Overtura Española”. La segunda serie se expandió desde “Recuerdos de Castilla” hasta “Recuerdo de una noche de verano en Madrid” (Memorias de una Noche de Verano en Madrid) Sobre la base de la obertura “La noche en Madrid” están compuestos cuatro temas verídicos españoles: la Jota, el Vals moro, dos Seguidillas de la Mancha.“Kamarinskaya” escrita en Varsovia, usa material temático eslavo.

Dargomizhsky nació en una familia noble, que se distinguía por su alta instrucción y afecto hacia el arte. El futuro compositor recibió la educación casera bajo la tutela de pedagogos rusos y extranjeros. De niño, Dargomizhsky ya domino el piano, violín y un poco mas tarde tomo clases del canto. Muy ligado a los principios de su predecesor, Dargomyzhski se distinguió de él por sus gustos en materia de música extranjera. Glinka prefería a los alemanes y los italianos y sus dioses eran Beethoven y Bellini; Dargomyzhski se inclinaba gustosamente hacia los franceses , hacia Auber, Halévy e incluso Adolphe Adam, por lo menos en sus comienzos. Después de emprender la composición de una gran opera, “Esmeralda”, según “Nuestra Señora de París”, apareció el grandilocuente “Triunfo de Baco”; después aparece de pronto una obra maestra lírica “Rusalka” (1853), de Pushkin; y finalmente el notable “Convidado de Piedra”, su ópera póstuma terminada por Rimsky-Korsakov, en la que se encuentran numerosísimas páginas que se anticipan a Boris Gudonov. Por lo demás, Mosorgski consideraba a Dargomyzhski como el verdadero padre del realismo en música: “quiero la verdad; quiero que el sonido exprese directamente la palabra”, preconizaba Dargomyzhski.

Ha aplicado este principio en melodías realistas como “La Lombriz”, “El Viejo Cabo”, “El Consejero Titular”, cuya influencia sobre las de Musorgski fue inmensa (quizás incluso las han suscitado); y en “Rusalka” y sobre todo en “El Convidado de Piedra”.
Glinka componía su música antes que las palabras, obligando al libretista a plegarse a sus ritmos verbales. En cambio, Dargomyzski es “Rusalka” y En “El Convidado de Piedra”, no ha cambiado ni una coma del texto de Pushkin. De este modo, paralelamente a los de Glinka, a trazado un tercer camino a la música rusa, el de la melodía motivada por el significado. En los rusos, ha inspirado “El Casamiento”, “Boris Godunov” y “Jovanchina” de Musorgski, “Mozart” y “Salieri” de Rimsky Korsakov, “Mavra” de Stravinsky, todas las operas de Prokoviev, desde “El Jugador” hasta “La Historia de un Hombre Auténtico”, “Katherina Ismailova” de Shostakoviv. En el extranjero, se encuentran prolongaciones en la obra de Debussy, Ravel y en la mayor parte de los músicos de la nueva escuela (romántica).
Ente las mejores operas influidas por Pushkin figuran: “La sirena”. Es la primera opera rusa después de “Ruslan y Ludmila”. El compositor crea su obra musical, valiéndose de la pieza de Pushkin, que lleva el mismo nombre. Se trata de una joven, que, después de haber sido abandonada por un duque rico, se suicida y se convierte en una feroz Sirena.
La música vocal de cámara ocupa un relevante espacio en la herencia artística del compositor. El ha compuesto mas de 100 romanzas y canciones.

EL GRUPO “LOS CINCO”

César Cui, miembro del grupo nacionalista ruso de compositores “los Cinco”, hijo de un oficial francés que se quedó en Rusia después de la retirada de Napoleón en 1812. En común con otros compositores de su generación e historia, tenía una carrera a parte de la música, en su caso era profesor de la Academia de Ingeniería Militar, experto en fortificaciones. Esto no lo detuvo en sus ambiciosas actividades como compositor y una importante carrera como crítico, generalmente muy duro e intolerable en sus juicios. Se le conoce por sus piezas para piano cortas y coloridas.

Operas
Su primera opera “Un Prisionero en el Caucaso”, con un libreto basado en Pushkin. Particularmente satisfactoria para sus amigos y seguidores fue la opera “William Ratciff”, basada en una obra de Heine. Otras operas siguieron, con mucho éxito, seguidas por cuatro operas para niños.

Música Orquestal
En sus cuatro suites orquestales, Cui demuestra sus habilidades en el manejo de pequeñas y lindas piezas,

en contraste con acusaciones en la época de no tener habilidades en la orquestación. La Suite No. 4 ofrece arreglos orquestales para piezas de piano escritas originalmente por su patrona Belga, la Condesa de Mercy-Argenteau. La Suite para violín y orquesta hace una inusual adición al repertorio del violín solista.

Música de Cámara
Su música de cámara incluye varias piezas cortas para violín y piano, o chelo y piano, notablemente dos conjuntos de Miniaturas para violín y piano, como también cuartetos de tres cuerdas. En su música de piano, Cui muestra nuevamente sus cualidades como miniaturista, exhibiendo una gran cantidad de piezas cortas muy atractivas.

Música Coral y Vocal
Cui dice que él estaba predispuesto, en general, en sus operas, evitar temas de carácter ruso, ya que él era de echo mitad francés y mitad lituano. Sus canciones, por supuesto, si tratan temas rusos e incluyen reseñas de Pushkin, Nekrasov y A.K. Tolstoy, mientras que en su música coral está en general en una escala más maliciosa.

Balakirev, Mily Alexeyevich (1837 - 1910)

Balakirev fue el líder del grupo “Los Cinco”, un grupo de compositores nacionalistas rusos durante la segunda mitad del siglo XIX, que incluye a César Cui, Mussorgsky, Borodin y Rimsky-Korsakov.
Su propio éxito como compositor fue eminente, largamente debido a sus excentricidades de carácter y su tendencia a hacer enemigos por su puro entusiasmo devastador e intolerancia de otras ideas. Él estaba particularmente opuesto a lo establecido en conservatorios de música en Rusia por los hermanos Rubinstein y fue acusado por esto mismo de ser un aficionado.
La visión del mundo de este compositor es muy contradictorio. El ha vivido una complicadísima evolución del nihilismo a la espiritualidad, del ateismo a la fe.
La primera composición sinfónica Balakirev la compuso bajo la inmediata tutela de Glinka. Este le enseño al joven compositor la melodía,
que sirvió de fundamento para “La obertura sobre el tema de la marcha española”.

Sus primeras oberturas sobre las temas de 3 canciones rusas, han tenido gran éxito. Entusiasmado con su primer triunfo el maestro crea otra obertura sobre el argumento de la tragedia de Shakespeare “El rey Lir”.
Mas tarde en una de sus mejores composiciones, el poema sinfónico “Tamara”, Balakiev une los rasgos del tema literario con el estilo sinfónico de Glinka.
El ha compuesto varias transcripciones de piano, sonatas, conciertos, piezas-miniaturas. El ha conseguido la mayor fama gracias a la fantasía oriental “Islamey”, creada en 1869 y dedicada a N.G.Rubinshtein, que ha sido el primer ejecutador de dicha obra musical. Mas adelante F.List y otros pianistas europeos han manifestado gran interés para con esta fantasía. Incluso hoy en día se ejecuta la fantasía, atrayendo al publico con el son de su original música oriental.
Entre las romanzas figuran: “La canción del bandido”, “Abrázame con los besos” pertenecientes a la lírica del romance cotidiano

Borodin, Alexander Porfir'yevich (1833 - 1887)

Los Cinco, tan renombrados por los críticos rusos y el escritor Vladimir Stasov, fueron los principales compositores nacionalistas del siglo XIX en Rusia, siguiendo el ejemplo de Glinka, su precursor. Borodin, como otros colegas músicos, también tuvo otra profesión aparte de la música, como profesor de química y destacado científico en el campo de la química orgánica. Su trabajo fue limitado a la cantidad de atención que pudo dedicarle a la composición y a la hora de su muerte dejó un número de composiciones sin terminar, que luego fueron terminadas por su amigo Rimsky-Korsakov y otros. El compositor era hijo natural del duque Guedinov y una joven pobre. El futuro artista tomó su apellido (el de Borodin) de un siervo, que pertenecía al dicho duque. Los años infantiles del compositor han pasado en la casa materna, en la atmósfera del afecto y bienestar. El futuro compositor recibe buena educación, aprende a tocar el piano, flauta, y violín como autodidacta.

El volumen de la herencia musical de Borodin no es muy considerable: tres sinfonías (entre estas la famosa “En Asia Central”), cerca de 60 romanzas, 2 cuartetos de cuerda, “La pequeña suita para el piano”, así como la opera “El príncipe Igor”, Borodin fallece inesperadamente el 15 de febrero de 1887 por un ataque de corazón.

Operas
La opera más famosa de Borodin “Príncipe Igor” fue terminada por Rimsky-Korsakov y Glazunov. Incluye las famosas danzas corales “Las Danzas Polovtsianas” con las cuales el Príncipe cautivo es entretenido por Khan Konchak.

Música Orquestal
El mejor ejemplo de la música orquestal de Borodin es “En Las Estepas de Asia Central”, una vívida evocación de una región exótica. La segunda de sus tres sinfonías, la última sin terminar, lo ocupó intermitentemente por siete años, y es un trabajo muy atractivo y muy ruso. Las tres forman una importante adición al repertorio sinfónico nacionalista.

Mussorgsky, Modest Petrovich (1839 - 1881)

Mussorgsky fue otro compositor nacionalista ruso miembro del grupo “Los Cinco”, toscamente agrupado bajo la influencia del poco fiable Balakirev.
Es un genio no reconocido de la música clásica del siglo XIX. Esta paradoja tiene dos fuentes:
Ante todo, la mayor parte de sus creaciones han quedado desconocidas para el publico. Además, los sonidos ideados por el compositor viven en un espacio particular, diferente al mundo artístico tradicional. Sus contemporáneos no llegaron a percibir esta fuente renovadora, reprochándole falta de profesionalismo. Musorgsky nació en una familia de la capa social media. Era el cuarto hijo en la familia. Desde niño estudia piano con su madre y alcanza sus primeros éxitos. Sin embargo, los padres piensan en la carrera militar para su hijo. Así, en 1856 el compositor se gradúa de la escuela militar según el deseo de sus padres.

El 27 de Noviembre de 1874 se produce su primer debut con la opera “Boris Godunov”. En esta obra la idea fundamental, que destaca el compositor es la incompatibilidad de las convicciones morales del pueblo ruso y el poder criminal del zar. Otra opera suya “Jovanschina” no es solo el conjunto de originales descubrimientos musicales, sino un mundo artístico lleno de misteriosa seriedad. En los ratos libres que quedan de su trabajo dedicado a la opera “Jovanshina”, el compositor compone una de las mas perfectas creaciones suyas: “Los cuadros de la exposición”. El dicho ciclo de piano es una de las composiciones musicales que goza de mayor fama.
La creación artística de Musorgsky lleva enorme valor tanto para la cultura nacional como para todo el mundo. Su originalidad consiste en ver mas allá de las ilusiones de su siglo y crear composiciones, que nos cuenten de eternos valores del Bien y Mal.
Mussorgsky dejó mucho sin terminar a la hora de morir en 1881, de todas maneras su influencia en compositores como Janácek fue considerable. Rimsky-Korsakov, un músico que había adquirido una técnica convencional de orquestación y composición, revisó y completó un número de los trabajos de Mussorgsky, versiones que no parecen inferiores a las originales e innovadoras composiciones que Mussorgsky concibió.

Operas
La más grande de las creaciones de Mussorgsky fue la opera “Boris Godunov”, basada en Pushkin y Karamazin, con un tema histórico ruso. El completo la primera versión en 1869 y la segunda en los 1870, pero la versión de Rimsky-Korsakov fue la que fue ejecutada fuera de Rusia. Otras operas de Mussorgsky incluyen: “Khovanshchina”, completada y orquestada por Rimsky-Korsakov. Una versión más nueva de Shostakovich restaura la mayor parte del texto original. La opera “Hada Sorochintsy”, después “Gogol”, terminada por Lyadov y otros, incluyen la recordada orquestación “Noche en Monte Calvo”.

Música Orquestal
La suite de Mussorgsky de 1874 “Cuadros en una Exhibición”, un tributo a la versatilidad del artista Hartman, ha demostrado ser la más popular de los trabajos de todos los compositores, ya sea en sus versiones originales para piano y coloridas versiones orquestales, de las cuales la versión de Maurice Ravel ha sido la más aceptada por la audiencia. Mussorgsky representa en la música una colección variada de interpretaciones de arte, desde el “Mercado de Limones” y las “Catacumbas” hasta la final “Gran Puerta de Kiev”, un monumento en la traducción a música de un diseño arquitectónico para un arco triunfal.

Música Vocal
Mussorgsky escribió un número de trabajos y canciones, mucho de las últimas de interés considerable, incluyendo el grupo “La Enfermería”. “ la Canción de la Mosca”, basada en un trabajo de Goethe, es una de las favoritas.

Rimsky-Korsakov, Nikolay Andreyevich (1844 - 1908)

Nació el 18 de marzo de 1844, en Tkhvin, al este San Petersburgo. En 1856 entró la academia naval en San Petersburgo, siguiendo la tradición de su familia, y se graduó de ella en 1862. Tomó lecciones de piano y se hizo amigo de Mili Balakirev, quien lo convenció para estudiar música y componer. Durante un viaje de tres años, Rimski-Korsakov compuso la mayor parte de su “Primera Sinfonía”, la cual fue tocada a su regreso en 1865, cuando él tenía sólo 21 años. La pieza fue bien recibida como la primera gran sinfonía de un compositor ruso. En 1871 fue nombrado profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de San Petersburgo, aunque él no se consideraba calificado para aquel trabajo, por lo que no abandonó su carrera naval hasta 1873.
Uno de los cinco, el grupo líder de los compositores rusos del siglo XIX. El fue un maestro orquestador y se dedicó a editar y suavizar algunas de las aparentes asperezas de los trabajos de sus amigos compositores, completando y revisando trabajos como la opera “Príncipe Igor” de Borodin y la mayoría de la supuesta escritura “no pareja” de Mussorsky.

Fue respetado como profesor, sus pupilos incluyeron, entre otros al joven Igor Stravinsky. Generalmente es conocido por sus composiciones orquestales, Rimsky-Korsakov escribió canciones y música coral, música de cámara y trabajos para piano. Su libro de orquestaciones ha sido muy, y no siempre bien, utilizado. También trabajó como director.
El periodo de su joven actividad artística culmina con la opera “Pscovityanka”, su estreno tuvo lugar en 1873.. En las composiciones de Rimsky-Korsakov participan preciosos, inteligentes, a veces ingenuos protagonistas, que no saben que es maldad, provecho, envidia, la frágil Snegurochka, (“Snegurochka”), el valiente y talentoso Sadko (“Sadko”), la tierna Marfa (“La novia del zar”), el genial Mozart (“Mozart y Salieri”).Todos ellos personifican las mejores cualidades del corazón y el alma humanas.
La música sinfónica del compositor se distingue por el rico variado de géneros. Aquí figuran: la obertura sobre temas rusos(1866), la fantasia sobre temas serbios /1867), la primera composicion sobre el tema oriental “Antar”(1868).
El compositor sigue ateniéndose a las tradiciones creadas por Glinka. Como resultado aparece la brillante continuación pasmada en: “El capricho español”(1887), que pinta cuadros coloridos de la vida cotidiana española. “El capricho” esta compuesto de cinco partes: - la Alborada, Variaciones, Alborada, Escena y la canción gitana Fandango. De base a estas composiciones sirven las autenticas melodías españolas, orquestadas con gran gusto y fantasía.
La cumbre de la música de orquesta de Rimsky-Korsakov es el cuadro sinfónico “Schehrazade”.(1888).

Operas
De las quince operas de este autor, debemos mencionar “La Soltera Nieves” “La Criada de Pskov” (1868-72), 'Noche de Mayo' (1880), 'Sadko' (1898), y “El Gallo Dorado” (1909).

Orquestal
Sus piezas más famosas son: 'Overtura en Temas Rusos' (1866), 'Capricho español' (1887), 'Scheherazade' (1888), y 'Zar Saltan' (1903), que incluye la muy nombrada 'Vuelo del abejorro'.

Otros
Canción de India', de 'Sadko', se convirtió en música bailable popular en Rusia. También escribió música de cámara, vocal y para piano.

OTROS NACIONALISTAS

Tchaikovsky, Pyotr Il'yich (1840 - 1893)

Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840, en Votkinsk en las Montañas Urales. Empezó a tomar lecciones de piano a los siete años. Cuando la familia se trasladó a San Petersburgo en 1850, el joven Tchaikovsky se inscribió en la Escuela de Leyes. En 1859 se graduó y se convirtió en un componemte del Ministerio de Justicia. Tchaikovsky fue uno de los primeros estudiantes del conservatorio de San Petersburgo establecido por Antón Rubinstein, una vez completados sus estudios allí se convirtió en uno de los profesores en una institución similar establecida en Moscú por el hermano de Antón Rubinstein, Nikolay. Un hombre tímido, expresaba sus emociones en la música. El pudo retirarse como profesor cuando una millonaria viuda, Nadezhda von Meck, le ofreció ayuda financiera la cual continuó por la mayor parte de su vida, aunque, en acuerdo con las condiciones originales de la pensión, ellos nunca se conocieron.

Tchaikovsky era un hombre atormentado. Su música es enteramente rusa en carácter, pero, aunque fue influenciado de Balakirev y sus ideales llegó a “Los Cinco”, perteneció a una escuela algo más internacional de composición apoyado por los conservatorios que el mismo Balakirev criticó tanto. Tchaikovsky murió el 6 de Noviembre de 1893.

Operas
Dos, más que otras, de las operas de Tchaikovsky se han mantenido en el ámbito de repertorio internacional: “Eugene Onegin”, basada en un trabajo de Pushkin, fue escrita en 1877, el año en que el compositor trató (desastrosamente) casarse. Volvió a Pushkin en 1890 con su poderosa opera “La dama de Picas”.

Ballets
Tchaikovsky, un maestro en las formas de miniaturas necesarias para el ballet, triunfó en subir la calidad de la música dada por un arte que se había desarrollado técnicamente en el siglo XIX en Rusia bajo la supervisión de un coreógrafo francés llamado Marius Petipa. El primero de los ballets de Tchaikovsky “El lago de los Cisnes”, fue completado en 1876, seguido en 1889 por “La Bella Durmiente”. Y su último ballet, basado en la historia de Hoffmann, fue el “El Cascanueces”, por primera vez presentada en San Petersburgo en Diciembre de1892.

Sinfonías
Tchaikovsky escribió seis sinfonías. La primera, conocida como “Sueños de Invierno”, fue terminada en su primera versión en 1866 pero luego revisada. La segunda, llamada “Pequeño Ruso” fue compuesta en 1872 pero revisada ocho años después. De la otras sinfonías, la quinta, con su tema motor y su movimiento de vals en el lugar de un scherzo fue escrita en 1888, mientras que la última sinfonía completada, conocida como "Patética", fue por primera vez ejecutada bajo la dirección de Tchaikovsky poco antes de su muerte en 1893.

Overturas de Fantasía y Otros
Su primera Overtura de Fantasía basada en Shakespeare “Romeo y Julieta”, fue escrita en 1869 y luego revisada dos veces. “Bunya” es una fantasía sinfónica inspirada en “La Tempestad” y la última de las overturas Shakespeareanas, Hamlet, fue escrita en 1888. “Francesca da Rimini” traslada a términos musicales el amor ilícito de Francesca y Paolo, como sale en la obra de Dante “Infierno y Manfred”, escrita en 1885. La “Voyevoda” es descrita como la balada sinfónica y se basa en un poema de Mickiewicz. Otras, composiciones orquestales de menor escala incluyen “Serenada” para cuerdas, la italiana popular “Capricho”, menos conocida, cuatro suites orquestales. Tchaikovsky pensó poco de su “Overtura de 1812”, con su patriótica celebración de victoria contra Napoleón setenta años antes, mientras que la “Marcha Eslava” tenía un propósito patriótico corriente. “Recuerdo de Florencia”, originalmente un sexteto de cuerdas, fue completada en 1892 en su versión final.

Conciertos
El primero de Tchaikovsky de los conciertos para tres pianos se ha convertido en el más popular de todos los conciertos románticos de piano. El segundo, es menos conocido, mientras que el tercero, comenzado en 1893, consiste de un movimiento único en Allegro de concierto. El concierto de Tchaikovsky para Violín, fue rechazado por los líderes violinistas de Rusia por ser encontrado muy dificultoso. Para chelo solista, Tchaikovsky escribió las “Variaciones Rococó” y el “Pezzo Caprichoso”. Piezas más cortas para violín y orquesta incluyen: “Serenata Melancólica” y el “Vals-scherzo”. “Souvenir d'un lieu cher”, escrita como expresión de gratitud por la hospitalidad de “Madame von Meck”, era originalmente para violín y piano.

Música de Cámara
Esta música en Tchaikovsky incluye tres cuartetos para cuerdas. El lento movimiento de la primera de las tres probó ser muy popular en su forma original como en un arreglo por el compositor para chelo y orquesta de cuerdas. “El Andante Fúnebre” del tercer cuarteto existe en un arreglo del compositor para violín y piano.

Música de Piano
Tchaikovsky proveyó con una gran cantidad de música para piano, particularmente en la forma de piezas cortas adecuadas para un mercado aficionado lucrativo. Colecciones de piezas publicadas por el compositor incluyen: “Las Estaciones”, un conjunto de doce piezas, una para cada mes, y un número de piezas de distintas dificultad.

Música Vocal
Tchaikovsky escribió una cantidad considerable de canciones y duetos.

Rachmaninov, Sergey (1873 - 1943)

Nació el 1 de abril de 1873, en Oneg, cerca de Semyonovo, Rusia. Su talento musical se manifestó tempranamente, y fue enviado a Moscú a estudiar piano con Nikolai Zverev es discípulo también de Ziloti (piano), de Arensky y Taneev (composición). Se graduó en el conservatorio de Moscú con la medalla de oro a la edad de 19 años. Muchos compositores de la primera parte del siglo XX trataron de desarrollar nuevos idiomas musicales, pero las composiciones de Rachmaninoff, por el contrario, están firmemente basadas en los trabajos románticos del siglo XIX, y como los trabajos de Peter Ilich Tchaikovsky, son exuberantemente melódicos. En esta respecto Rachmaninoff representa la culminación del período ruso tradicional romántico.
La opera “Aleco” fue el trabajo de diploma del joven compositor.

A fines del siglo XIX Rakhmaninov se hace amigo de Shalyapin, conoce a Chejov y Bunin. Durante el periodo de tiempo que anticipa el crucial año 1917 el compositor crea sus mejores obras: las operas “El caballero avaro” y “Francesca da Rimini”, 3 conciertos para piano y orquesta, la cantata “La primavera”, los preludios, y estudios - cuadros para piano, el poema sinfónico - vocal “Las campanas” y decenas de romanzas. El compositor rechazo categóricamente la barbarie de la revolución comunista de Octubre, de aquí procede la decisión fatal de abandonar la Patria. A partir de 1918 Rakhmaninov vive en los EE.UU., mientras mantuvo una casita en Suiza. Exiliado forzó e incrementó su concentración en la ejecución, como uno de los pianistas más distinguidos de la época, actividad que le ayudó a mantener a su familia pero le dejó menos tiempo para trabajar como compositor. Sin embargo, como dice el mismo compositor, al despedirse de la Patria pierde cualquier deseo de componer la música. Durante el siguiente cuarto del siglo, compone solo unas cuantas composiciones: El cuarto concierto para el piano con orquesta, “Tres canciones rusas” para coro y orquesta, “Rapsodia sobre el tema de Paganini” para piano y orquesta, la Tercera sinfonía y “Las danzas sinfónicas”.
.Murió en Beverly Hills en marzo 28 de 1943.

Música Orquestal
El segundo concierto para cuatro pianos mantiene una posición inalcanzable entre los trabajos de los románticos de este tipo, su popularidad cercanamente es rica de “Rapsodia” tema de Paganini, para piano y orquesta. Mientras que las “Danzas Sinfónicas” de 1940 disfrutan de alguna popularidad, como también el poema sinfónico “La Roca” y la “Isla de la Muerte”, con su recurrente motivo de la misa latina Réquiem, la segunda de sus tres numeradas sinfonías es la más familiar.

Música para Piano
El Preludio en C menor de Rachmaninov ganó temprana popularidad que largamente contrapesó sus méritos. Otros trabajos para piano incluyen “Etudes-tableaux de 1911 y 1916-17”, dos sonatas, conjuntoss de Preludios y Momentos Musicales, transcripciones, incluyendo incluyendo las dos piezas de Kreisle Liebesleid y Liebesfreud, y las dos impresionantes variaciones del tema de Corelli, su última composición original para piano solista, compuesta en 1931 y basada en la popular danza barroca llamada “La Follia”, también usada por Corelli en sonata para violín.

Rubinstein, Anton (1829 -1894)

No debe ser confundido con el gran pianista Artur Rubinstein, nacido en 1887, Anton Rubinstein, un compositor más grandioso en su época y un claro rival de Liszt y otros grandes pianistas del siglo XIX, tuvo un marcado efecto en el desarrollo de la música en Rusia, estableciendo el primer sistema de entrenamiento musical profesional en el conservatorio de San Petersburgo en 1862. Su hermano Nikolay puso una institución similar en Moscú. Los conservatorios no fueron bien recibidos por los compositores nacionalistas, quienes los vieron como una intrusión alemana, Aunque los Rubinstein eran rusos, y de extracción Alemana-judía. Como compositor, Anton Rubinstein fue prolífico, escribiendo, como su hermano lo sugirió, más que suficiente música para ambos. Las mejores paginas de la herencia musical de este celebre compositor están relacionadas con el genero de la opera lírica.
Rubinshtein es un pianista virtuoso, que manifiesta en la música de piano dos percepciones: la del artista y la del pianista - ejecutor. La mas brillante composición suya es el cuarto concierto para piano y orquesta. La herencia de la música de cámara vocal refleja el interés del artista hacia el amplia serie de poetas tanto rusos como extranjeros

Sin duda alguna, aquí hay que destacar el ciclo musical del compositor llamado “Las canciones de Persia”. Sus fáciles técnicas lo delataron ya que a la hora de su muerte, su trabajo no fue apropiadamente valorado por los partidarios de la música nacionalista rusa.

Operas
Rubinstein escribió diecisiete operas. La fantástica opera “El Demonio” y la opera “Feramors” pueden ser escuchadas ocasionalmente de extractos de conciertos.

Música Orquestal
Las composiciones orquestales de Rubinstein incluyen seis sinfonías, de las cuales la segunda, "Océano", es la más conocida. Escribió cinco conciertos para piano y otros trabajos para piano y orquesta, además de conciertos para violín y para chelo.

Música de Cámara
Prolífico aquí también, Rubinstein escribió un gran número de cuartetos para cuerdas, tres sonatas para violín y dos sonatas para chelo, en adición a otros trabajos de cámara, no muy escuchados, excepto por posiblemente la sonata para viola y piano, una útil adición a lo de otra manera exiguo repertorio para la viola.

Música para Piano
Rubinstein, como un líder virtuoso en este instrumento, escribió una cantidad de música para piano. De todas las sonatas, suites, serenatas y otras piezas, la “Melodía en F” se mantiene la más notoria en su popularidad.

Ippolitov-Ivanov, Mikhail Mikhaylovich (1859 - 1935)

Después de entrenamiento musical en el conservatorio de Moscú, Ippolitov-Ivanov fue elegido director del conservatorio de Tbilisi en Georgia. En 1905 volvió a Moscú a enseñar en el conservatorio, dónde trabajo hasta su muerte en 1935. Sirvió como director y continuó la tradición nacionalista impuesta por “Los Cinco”, con las bases más técnicas proporcionadas por el conservatorio. Compartió con Rimsky-Korsakov y Balakirev un interés en la relativamente exótica, realzada por su experiencia de la vida musical en Georgia.

Música Orquestal
“Trazos Caucásicos”, escrito en 1894, seguida de la “Rapsodia Armenia” e “Iveriya”, son evidencia del interés de Ippolitov-Ivanov en la música de los distintos grupos étnicos que conformaban el imperio ruso, en los cuales ejemplos posteriores se encuentran en “Las Estepas de Turkmenistán” y “Cuadros Musicales de Uzbekistán”.

Arensky, Anton Stepanovich (1861 - 1906)

Compositor, director y pianista ruso, Arensky fue pupilo de Rimsky-Korsakov en el conservatorio de San Petersburgo y luego enseñao en el conservatorio de Moscú, dónde sus pupilos incluyen a Rachmaninov y Scriabin. Sus composiciones comúnmente reflejan la influencia de otros compositores, más particularmente la de Tchaikovsky. Fue director musical de la Capilla Imperial en San Petersburgo desde 1895 hasta 1901 y luego continuó su carrera como compositor, pianista y director, viajando ampliamente entre las dos últimas facilidades.
La creación de Arensky esta vinculado con el piano. Le pertenece al gran compositor una enorme cantidad de composiciones musicales para orquesta (piezas de programa, piezas improvisadas, arabescos, fantasías, miniaturas, ciclos unidos etc.)
Una de las composiciones mas populares de Arensky son “las Fantasías sobre el tema de Ryabinin” para piano y orquesta. Murió en 1906.

Música Orquestal
Arensky escribió dos sinfonías y un concierto para violín, así como un conjunto de variaciones para cuerdas en un tema de Tchaikovsky, un trabajo originalmente para un cuarteto de cuerdas.

Música de Cámara
La composición de Arensky más conocida para piano “Trío en D Menor”, el primero de dos de este tipo de trabajos. Esta fue escrita en 1894 y muestra algo de la influencia de Mendelssohn.

Glazunov, Alexander Konstantinovich (1865 - 1936)

El compositor nació el 10 de agosto de 1865 en San Petersburgo. Su padre era editor de libros. Todos los familiares se cautivaban por la música, así que el talento musical de Glazunov se hizo obvio bastante temprano.
Glazunov, pupilo de Rimsky-Korsakov, recibió ánimo también de Belyayev, un patrocinador con influencias y publicador, cuyas actividades superaron y reemplazaron los tempranos esfuerzos de Balakirev para inspirar la creación de la música nacionalista rusa. Se sumó a los profesores del conservatorio de San Petersburgo en 1899 y despues de las protestas estudiantiles y disturbios de 1905 fue elegido como director, posición que conservó hasta 1930, aunque desde 1928 había vivido en el extranjero, sobretodo en Paris, dónde murió en 1936. Su música muestra la síntesis entre los rusos y los llamados alemanes, una certera técnica introducida por los hermanos Rubinstein en los conservatorios de San Petersburgo y Moscú en la mitad del siglo.
Ha creado mas de cinco sinfonías, los cuartetos N°4 y N°5, tres ballets, el famoso concierto de violín, la gran suita sinfónica “De los tiempos medievales”.

La quinta sinfonía (en Si-Bemol-Mayor) (1885) es la mas popular composición de Glazunov. El ciclo esta compuesto de cuatro partes.
La sexta sinfonía (en Do Menor) (1896) se distingue, sobre todo la primera parte por el agudo dramatismo.
Hoy día muchos ejecutores modernos la tienen presente en su repertorio.

Música Orquestal
En adición a sus nueve sinfonías y una variedad de otros trabajos, Glazunov escribió un “Concierto para Violín”, terminado en 1904, cuando estaba en su mejor momento como compositor. Las sinfonías han ganado menor popularidad, pero en poema sinfónico de “Stenka Razin”, escrito en 1885, retiene su lugar en los repertorios rusos nacionales.

Ballets
Tres ballets de Glazunov – “Raimonda”, “La doncella sirvienta”, “Las estaciones del año” fueron creados durante el periodo de 1896-1899. “Raimonda” ,basado en una historia amorosa, sin duda alguna es el mejor de sus ballets. Por primera vez llevada al escenario en San Petersburgo en 1898,con una coreografía de Marius Petipa. “Les ruses d'amour”, y “Las Estaciones” siguieron a “Raymonda” en 1900. El orquestó música de Chopin para “Les sylphides”. El coreógrafo Fokin también hizo uso en “Stenka Razin” para un ballet del mismo nombre.

MUSICA DOCTA RUSA DEL SIGLO XX -

LA CONTINUACION DE LA TRADICION ROMANTICA

POST MODERNISTAS

Stravinsky, Igor (1882 - 1971)

Nació el 17 de junio de, 1882, en Oranienbaum, cerca de San Petersburgo.
Hijo de un distinguido cantante ruso, Stravinsky vivió sus primeros años en Rusia, ya sea en San Petersburgo o en el verano en el campo con sus parientes. Durante cinco años estudio en la facultad jurídica de la Universidad de San Petersburgo. Al mismo tiempo iba estudiando las disciplinas teóricas de música como autodidacta. Durante dos años tomo clases particulares de composición de N.A.Rimsky – Korsakov. A partir de 1914 vivió en Suiza, desde 1920 en Francia, desde 1939 en EE.UU. creo su propio nombre en Paris con comisiones del empresario Dyagilev, para quien escribió una serie de ballets. Pasó los años de la revolución rusa de 1917 en Europa Occidental. Un compositor versátil en cambios de estilos, se puede ver como la parte musical del pintor Picasso.
Se puede indicar condicionalmente los periodos de su actividad artística. El primero, tal llamado “el ruso”, se realza por aparición de tres ballets, que le traen a su creador fama mundial: “Zar-Ptitsa”, “El Petrushka” y “La primavera sagrada”. El mayor logro de este periodo – es “La bodita”.

El segundo periodo se llama el neoclásico, que da la luz a tales obras de arte musicales como la opera – oratoria “El zar Edipo”, la famosa “ sinfonía de los salmos”, los ballets: “El beso del hada” y “El juego de cartas”.
El tercer periodo de su creación se caracteriza por el interés despertado hacia la religión: “El sagrado canto religioso”, “El canto religioso de difuntos”, “El llanto del profeta Yeremia” etc.
El recobró el pulso ondeante esencial para el ballet; fue meticuloso sobre los grados de articulación y énfasis; creó un sonido “limpio”. Escribió para distintas agrupaciones instrumentales y creó un sonido distinto en cada trabajo; Revivió las formas musicales de su pasado e hizo una contribución duradera a la serial y música de doce tonos.

Trabajos de Escenarios
Stravinsky causó una inmediata impresión en Paris con su trabajo para L'oiseau de feu “El Pájaro de Fuego”, para los ballets rusos de Dyagilev. Luego siguieron Petrushka rusas, y el "succès de scandale" de Le sacre du printemps “El bien de la Primavera”. Otros trabajos más tarde fueron a menor escala durante tiempos de guerra, Stravinsky volvió a hacer ballet para Dyagilev en Pulcinella, basado en la música erróneamente atribuida a Pergolesi. Otros ballets incluyen: “Apollon Musagète”, “Le Baiser de la fée”, “Jeu de cartes” y “Agon”. El operatorio latino, con el texto traducido desde Cocteau, “Oedipus Rex” fue puesto en escena por primera vez en 1928, mientras la opera “El Rastro del Progreso”, de forma neo-clásica y basada en los grabados de Hogarth, con un libreto de Auden y Chester Kallman, fue llevada al escenario en Venecia en 1951.

Música Orquestal
La música orquestal de Stravinsky incluye sinfonías, suites para algunos de los ballets, y dos suites arregladas para piezas de piano. Conciertos de variados tipos incluyen un “Concierto de 1936” para piano, viento y bases dobles, un “El Concierto del Ebano” para una banda de jazz y un concierto de violín.

Música de Cámara
La música de cámara de Stravinsky incluye algunos arreglos orquestales, en particular dos versiones de Pulcinella, una para violín y piano y una segunda para chelo y piano, bajo el título de “Suite italienne”.

OTROS MODERNISTAS

Prokofiev, Sergey (1891 - 1953)

Traviesos brincos en la melodía, inesperados cambios de llaves, y los burlones sonidos de instrumentos de caña son típicos de la música de Sergei Prokofiev, uno de los grandes compositores de Rusia. Sus cuentos de hadas musicales escritos para los niños en 1936 “Pedro y el lobo”, es frecuentemente usado para introducir a la gente joven en los sonidos diversos de los instrumentos orquestales.

Sergei Sergeevich Prokofiev nació el 23 de abril de 1891 en Sontsovka, Ucrania. A temprana edad le enseño a tocar el piano su madre. Era un niño lleno de cualidades musicales, a los seis años ya componía música. Sergey Prokofiev, entró en el conservatorio de música de San Petersburgo en 1904, tiempo en que había escrito ya mucha de su música. En el conservatorio, anonadó al director más conservador, Glazunov, pero aprendió mucho más de un estudiante que llevaba ya cierto tiempo en el conservatorio, el compositor Myaskovsky, se graduó en el conservatorio en 1914.

Después de la revolución se le dio permiso para viajar al extranjero y permanecía intermitentemente en Rusia, los Estados Unidos y Paris, hasta que finalmente retornó a Rusia en 1936. En casa, en contacto de nuevo con la raíz de su inspiración, se encontró sin apoyo de las autoridades y en 1948 se le aplicó a sus trabajos censura. Cabe señalar que el compositor ganó premios Stalin por su trabajo. En 1945 tuvo un ataque cardíaco. Sus actividades fueron limitadas después, pero continuó escribiendo. En su cumpleaños número 60 fue públicamente honorado. Murió en Moscú el 5 de marzo de 1953. Su muerte en 1953, en el mismo día que Stalin, le impidió gozar la más tardía relajación en la censura musical. Su estilo es irónico, escribiendo en un estilo de música que es a menudo acérbico.

Música de Escenario
Prokofiev intentó escribir una opera por primera vez a los nueve años. Sus operas incluyen “El Amor para las Tres Naranjas”, escrita en 1919 para Chicago, “El Angel Feroz” y “Guerra y Paz”, la última basada en la novela de Tolstoy. Un ballet para Dyagilev fue rechazado, pero otros ballets, una vez rechazados como no bailables, incluyen a “Romeo y Julieta”, y en 1944 “Cenicienta”.

Sinfonías
Escribió siete sinfonías. De éstas “La Sinfonía Clásica”, escrita entre 1916-1917 con el trabajo de Haydn en mente, es la mas conocida. “La Quinta Sinfonía” de 1944 es un trabajo a escala mucho más grande.

Conciertos
De sus cinco conciertos, el tercero es el más conocido, escrito en un el lenguaje musical instantáneamente reconocible del compositor. Más románticos son los dos conciertos para violines.

Música Coral y Vocal
En adición a una vasta variedad de éstos trabajos, que incluyen una versión de concierto de una película para Alexander Nevsky, Prokofiev escribió muchos otros trabajos sin tanta importancia, muchos de los cuales de importancia política.

Música de Cámara
Incluye dos sonatas para violín y piano, la segunda originalmente para flauta y piano y revisada por el compositor, con la ayuda del violinista David Oistrakh. Completó su “Sonata en C Mayor para Chelo” en 1949 pero una segunda sonata para el instrumento fue dejada sin terminar a la hora de sus muerte. Las cinco melodías para violín y piano, basado en canciones anteriores, están igualmente en el repertorio general.

Música para Piano
Prokofiev, un pianista formidable, completó nueve sonatas para piano de once proyectadas. Su música para piano también incluyen versiones de los ballets “Romeo y Julieta” y “Cenicienta”.

Música para Niños
Una de las más conocidas composiciones de Prokofiev es su cuento para niños “Pedro y el Lobo”.

Shostakovich, Dmitry (1906 - 1975)

Nació el 25 de septiembre de 1906 en San Petersburgo. Dmitry Shostakovich pertenece a la generación de compositores entrenados después de la Revolución Comunista de 1917. Se graduó en el conservatorio de San Petersburgo como pianista y compositor. En 1927 durante el primer Concurso Internacional de pianistas de Chopin, el joven compositor gana el premio de la distinción. A partir de 1937 enseño composición en el Conservatorio de San Petersburgo, en 1943 en el de Moscú. su “Primera Sinfonía” fue un inmediato éxito. Su subsiguiente carrera en Rusia varió con el clima político. El éxito inicial de su opera “Lady Macbeth del distrito de Mtsensk”, basada en Leskov, y luego revisada al tiempo en que Katerina Ismailova, fue seguida por condena oficial, emanada aparentemente por el mismo Stalin. La quinta sinfonía del compositor, en 1937, trajo una rehabilitación parcial, mientras que los años de guerra ofrecían propaganda en la sinfonía de Leningrado, ejecutada en la ciudad bajo dominio alemán. Sintió una libertad relativa trás la muerte de Stalin en 1953.

Información póstuma sugiere que Shostakovich siguió muy crítico la dictadura Estalinista, particularmente en cuanto a la música y las artes. Ocupa una posición significante en el siglo XX como sinfonista y compositor de música de cámara, escribiendo en estilos que aunque distintos en textura pero siempre accesible como una extensión del lenguaje de la música tonal. Muere en Moscú el 9 de agosto de 1975.

Música de Escenario
Katerina Ismailova aún es la principal opera de Shostakovich, con la más temprana opera “La Nariz”, basada en Gogol, y el ballet “La Edad Dorada”. Música incidental para teatro incluye pieza para Hamlet y para el Rey Lear.

Sinfonías
Las quince sinfonías de Shostakovich van desde “La Primera Sinfonía” de 1925, una composición gradual a “La Catorce”, que contiene pedazos de varios poemas y que se escribió dos años antes que la “Quince” de 1971, la última. La “Quinta”, la post-guerra “Bueve” y la “Diez” de 1953 son escuchadas a menudo. Mientras que la “Dos” y la “tres” con la “Once” y la “Doce” tiene sugerencias más patrióticas.

Conciertos
Shostakovich escribió un concierto para piano, trompeta y cuerdas, y un segundo concierto para piano dedicado a su hijo Maxim, en 1957. Escribió dos conciertos para violín y dos para chelos.

Música Coral y Vocal
Trabajos corales de Shostakovich incluyen, entre otras, “La Ejecución” de Stepan Razin. Sus canciones solistas son más sobre política.

Música de Cámara
Los quince “Cuartetos de Cuerdas” son un trabajo remarcable, textura lúcida, comúnmente moviendo un motivo musical. La intensa sonata “Viola Sonata” de 1975 es la tercera de sus sonatas de dúos, precedidas por la de 1934 para Chelo y Violín y la de 1968 para violines. A éstas podemos adherir en segundo trío para pianos y un quinteto en G Menor para piano escrito en 1944.

Música para Piano
Dos sonatas para piano, un ingenioso conjunto de 24 preludios y fugas, como también un grupo previo de 24 preludios.

Jachaturian, Aram Il'yich (1903 - 1978)

Jachaturian, un compositor soviético de origen armenio, En 1934 se graduó en el conservatorio de Moscú, dónde estudió composición con Myaskovsky. Luego asumió importantes posiciones en la unión de compositores soviéticos y continuó la implementación de un aspecto de la póliza de cultura oficial en uso de material regional Armenio. Compuso conciertos para piano, violín, violonchelo y orquesta, la tríada de conciertos – rapsodias (para violín, violonchelo y piano), la música para el espectáculo dramático “El Mascarda” de Lermontov.

Trabajos de Escenario
El ballet de 1942 “Gayane” contiene los trabajos más populares de Khachaturian, y “La Danza del Sable”. El ballet “Espartaco” de 1954 contiene un bien conocido Adagio de Espartaco y Phrygia. Hay suites de conciertos para ambos ballets.

Música Orquestal
El “Concierto de Violín” de Jachaturian, escrito en 1940, es un trabajo característico y ha sido trascrito para solos de flauta por el flautista francés Jean-Pierre Rampal. El compositor escribió en “Concierto para Piano” en 1936 y diez años después un efectivo “Concierto para Chelo”.

OTROS COMPOSITORES RUSOS DEL SIGLO XX

Miaskovsky, Nikolai Yakovlevich (1881- 1950)

Miaskovsky, amigo y mentor del joven Prokofiev en el Conservatorio de San Petersburgo, dónde él fue enseñado por Liadov y Rimsky-Korsakov, luego de obtener lecciones privadas de Glière. Sus 27 sinfonías, dentro de un período desde 1908 a 1950, trataba de mostrar y expresar las variadas fortunas de Rusia y la Unión Soviética. Otro aspecto de su trabajo se escucha en sus sonatas para nueve pianos.

Scriabin, Alexander (1872 - 1915)

El padre del compositor era diplomático. A los 11 años Scriabin empieza a estudiar en el Segundo Cuerpo de cadetes de Moscú. En 1892 se gradúa en el Conservatorio de Moscú con las mas altas calificaciones, pero como pianista. Rechazo el diploma del compositor por los desacuerdos surgidos entre el y A.Arensky. La suavidad, fragilidad y finura que se perciben en las obras musicales del compositor van paralelamente con el espíritu de rebelión, patetismo y visión filosófica del artista. Las ansias hacia la síntesis de los artes dieron la posibilidad de expresar la idea de “música-color”. En la partitura del famoso “Prometeo”( o “Poema sobre el fuego”) hay una línea especial para marcar tal o cual color en el teclado luminoso. Amigo y estudiante de Rachmaninov en Moscú, el compositor ruso Alexander Scriabin disfrutó de una carrera diferente y mucho más corta, primero como concertista de piano, con el apoyo de Belyayev, quien publicó sus primeras composiciones.

Su interés en la filosofía y las teorías teofísicas de Madame Blavatsky lo influenciaron en su última forma de componer, particularmente los grandes trabajos orquestales, mientras que su música de piano exploraba un nuevo territorio musical. Su vida fue vitalizada por su absorción introspectiva y excentricidades en sus creencias.“Yo voy para decirle a la gente que son fuertes y poderosos, ¡que no hay motivo para sentirse triste!, ¡que no hay perdidas! Que no teman a la desesperación. Es fuerte y poderoso todo el que experimento desesperación y supo vencerla”.

Música Orquestal
Scriabin gozó de un temprano éxito con su concierto para piano de 1896. De mayor significado, son sus trabajos posteriores, la “Sinfonía No. 3”, "Le divin poème", “poème del éxtasis y Prométhée”, “Le poème du feu”.

Música para Piano
Su primera música para piano fue escrita mientras era estudiante en el conservatorio de Moscú, llevándolo a una serie de cinco sonatas que partieron en 1911. Las otras siete sonatas fueron escritas durante los años 1886 y 1907. Otras piezas cortas de piano incluyen estudios de preludios,. en un estilo que se desarrolló de la influencia de Chopin a un idioma distinto enteramente propio.

Medtner, Nikolai Karlovich (1880 - 1951)

A.Alyabiev (1787-1851)

La vida de Alyabiev fue muy dura. Procedía de una familia muy rica. Sin embargo, el destino del compositor hace un giro inesperado, cuando a causa de la traición de un amigo suyo le meten al joven Alabiev en cárcel, donde se enfrenta con todas las penas del destierro. Allí el compone la inmortal canción “El ruiseñor”. Otro éxito del compositor ha sido la romanza: “La mendiga”. La imagen de la viejita pobre, pidiendo limosna ante el atrio de la iglesia simboliza vicios sociales de Rusia. La frase que constantemente repite: “Ayudadme ¡ que el Dios os proteja!” – tiene un significado social muy progresista – llama a la misericordia, amor. También Alyabiev ha compuesto música para operas, ballets, espectáculos dramáticos.

Andrei Eshpai (nacio en 1925)

S.Gubaidulina (nacio en 1931)

Fiodor Rubert Derzhiski (nacio en 1965)

Es un famoso Compositor, director y pianista ruso de finales del siglo XX. se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo. En su creación el compositor asimilo las mas distintas tradiciones de la cultura musical rusa: el folclore de Carelia, la música clásica rusa y el impresionismo francés, el jazz y los famosos acordes del raga y tala indios y de esa manera creo su estilo particular y unico . Entre sus obras se destacan: los ballets “Malenkaia” y “Suzdal”, la zarzuela “Yo estoy solo pero feliz”, el musical “El amar no es rentable ”, la galería de lienzos sinfónicos dedicados a sus amigos imaginarios Pillastraki y Pollastrov. Actualmente reside entre Goa y San Petersburgo.

PARALELO CON EL FOLKLORE RUSO

ANTECEDENTES DEL FOLKLORE RUSO

Los eslavos - más tarde los rusos- son esencialmente, y casi exclusivamente, agricultores. Esta actividad es la determinante del carácter primordial de los cantos populares y el de las prácticas paganas de las que han surgido(estas han sobrevivido a la conversión al cristianismo transformadas en tradiciones, fiestas o ritos; el ultimo testimonio, absolutamente verídico, de esta evolución, es la del musicólogo y folklorista Yacushin, que pudo comprobarlo en 1849). Bastante rudimentarios, el Olimpo de los eslavos se funda en la adoración del sol y de la tierra.

De estas creencias nace un panteísmo prodigiosamente poético y musical. El bosque, la llanura, el río, el mismo guijarro, tienen un alma. De estos sentimientos poéticos y agrícolas, surge todo el calendario de cantos estaciónales tan exactos que, después de la conversión al cristianismo, las autoridades se ven obligadas a tenerlo en cuenta y a tratar de hacer coincidir las fiestas de la iglesia con las tradiciones paganas.

El ciclo de los cantos empieza en la noche siguiente del equinoccio de invierno, la del 24 y 25 de diciembre(convertida luego en la noche de Navidad). La tradición asegura que, en esta noche, el sol se vuelve hacia el verano y es prudente ganar su benevolencia. En los pueblos (esta costumbre se mantiene todavía en Ucrania), grupos de gente joven van de casa en casa, recibiendo regalos y cantando las Kolida, de una gran belleza (palabra de origen romana).

Le siguen las grandes fiestas del equinoccio de primavera con los cantos del carnaval, luego los sortilegios y rondas primaverales, que Stravinski ha sabido evocar con tanta maestría en la consagración de la primavera. Las rondas de primavera, contrariamente a lo que se cree, son lentas y graves: se trata de un rito de gran importancia para la comunidad. Paralelamente a ella, existe una pintoresca tradición; habiendo percibido que la llegada de la primavera coincide con la de los pájaros, o bien -si falta la harina- los modelan en barro, lanzándolos después hacia el cielo mientras cantan y bailan, provocando de este modo la llegada de los pájaros.

Las fiestas del carnaval(la futura tercera semana de cuaresma) son fiestas móviles y comienzan ocho semanas antes de la primera luna llena de primavera. Se trata en ellas de echar al invierno, y para ello, un gran espantapájaros que lo simboliza es arrojado al fuego con gran pompa, en medio de danzas y cantos.

Siete semanas después de la primera luna llena de primavera se celebra la Russalia(día de la rosa); mas tarde, esta fiesta coincide con la de pentecostés. Se trata, según la creencia del pueblo, de vaciar los bosques de Russalkí y de genios maléficos que puedan atrapar a los pascantes en esta bella estación.

El equinoccio de verano(el 24 de junio se convierte más tarde en la fiesta de san Juan) esta consagrado a Kupalo. Ligado al antiguo culto del fuego, da a lugar a grandes festejos públicos, cantos rituales que proceden a los importantes trabajos de la siega.

Conjuntamente con estos cantos estaciónales existen los que van ligados a los ritos familiares. Los eslavos practican un culto ferviente a los antepasados, que, según creencias, no mueren sino que permanecen en el seno de la familia. Durante las comidas, se bebe a su salud y se canta para ellos; durante la Russalia - también en Pentecostés- se reúnen en los cementerios, organizan verdaderos festines sobre sus tumbas; algunas veces se lamentan, pero con notable preferencia, ejecutan cantos irresistiblemente alegres y danzas para distracción del difunto. La presencia de los antepasados es tan viva que cuando una joven se casa se despide de sus padres y de todos sus antepasados.

Por otra parte una boda da lugar a un rito musical extremadamente complejo; veintiún números de música vocal proceden la bendición nupcial. Se canta y se baila largamente; pero la novia - por muy enamorada que este de su prometido- debe lamentarse. Los dos personajes obligados de este aparato escénico(ya que de esto se trata, perfectamente inmutable, y el pueblo aprecia una boda según la calidad de éste) son la novia(secundada por una plañidera, que la dobla en algunos episodio), el casa mentero, la casamentera, la dama de honor del novio y las amigas de la futura esposa. Empiezan los esponsales; la casamentera se arregla con los padres sin consultar siquiera con la principal interesada. Luego el pretendiente es recibido solemnemente, se enciende un cirio delante de los iconos, se dan las manos en señal de asentimiento, y la prometida canta su primer lamento.

Al día siguiente se reúnen para la bendición del noviazgo, y la prometida se lamenta aún en dos ocasiones(la segunda vez, las quejas duran unos cuarenta minutos). Siguen - siempre cantando- las visitas a los padres, a la futura suegra, a los amigos y la recepción del novio en la casa, a la que se deleitaba al modo dorico y frigio; las reuniones con las amigas, donde se canta, se bailan rondas, etc.

He aquí los elementos más pintorescos del montaje escénico. En la víspera del gran día la joven es conducida al baño con gran pompa. Antes de la salida, canta para sus amigas; luego la bañista le acoge con una bella y larga cantinela, a la que la cliente responde con una canción corta y lírica. Y, en el camino de vuelta, se para delante de la isba de sus padres y ejecutan un nuevo lamento.

A estos veintiún números de música prenupcial suceden las fiestas de la boda, en el curso de las cuales se destaca la vena popular, sin olvidar el carillón de la iglesia que suena sin parar mientras el cortejo se dirige a la casa y dura festín. Resumiendo, Stravinski en sus bodas ¡no ha inventado nada!

ALGUNAS PRECISIONES MUSICALES

¿Qué podemos decir sobre estos cantos populares desde un punto de vista musical? La mayoría de las veces su línea melódica, muy simple, se movía en los limites de las terceras, cuartas y excepcionalmente de las quintas. Nacía de una célula por lo general breve, como una señal, y probablemente derivada de formas cabalísticas o de hechizos de los primeros ritos paganos. En los cantos de las mujeres observamos con frecuencia una escala pentatonica por tonos enteros aproximativos.

De echo la línea melódica en los cantos más antiguos se reduce a veces a simples interjecciones, a exclamaciones, alrededor gira la frase rudimentaria. Para que esta se ordene y desarrolle, hará falta la influencia de los chantres originarios de la ciudades que introducirán también el concepto de nota sensible, que, sorprendentemente, es llamada en Rusia la nota azul desde el siglo XIX.

Los cantos populares rusos no conocen ni mayor, ni menor, ni tónica, ni dominante: utilizan tres escalas de cuatro tonos, que pueden superponerse en siete grados con intervalos rigurosamente diatónicos.

En terreno del ritmo reina una anarquía total, ya que la prosodia popular, muy libre, no se adapta a ningún sistema; y la melodía, al hacerlo, adquiere la, misma libertad. Resultado de ello son los cambios frecuentes de compás en un solo fragmento, así como un culto a los impares.

La enorme variedad de los ritmos populares ha dado lugar a estudios substanciales. Por lo general los cantos populares utilizan versos asontonados, cada verso conteniendo dos o tres grupos silábicos.

INSTRUMENTOS POPULARES RUSOS

El instrumento más viejo (el más antiguo, ya que el "kantele" mencionado en el "Kalevala" le debe su origen), es la guzla (deberíamos decir "los guslis"; en ruso esta palabra es plural). Consiste en una tabla de madera, con preferencia de abedul o plátano, sobre la que se tensan siete u ocho cuerdas afinadas en "dos" mayor sin grados cromáticos; con el tiempo, el número de cuerdas llega a setenta y seis. El tocador de "guzla" acompaña su canto mientras desgrana arpegios con sus dedos, uñas o un plectro. Prácticamente es imposible poder ejecutar una melodía.

A partir del siglo XII, importado de Bizancio, aparece un modelo de "gusli salterio", réplica perfecta del salterio. Bajo su influencia los "gulis" se perfeccionan: la madera es vaciada, se pulsan las cuerdas con macillos grandes: nace de este modo el "cymbalum" (utilizado acertadamente por Stravinski en su arcaico "Renard").

Otro instrumento de cuerda han hecho su aparición posteriormente: la "domra", la "balalaica", la "cobza", la "bandura", el "torban", luego la guitarra.

La domra era una especie de laúd importado de Asia por los kirguises, los mongoles y los persas. Al ser ser adoptada por el pueblo se convirtió en balalaica": en efecto, los"violeros" pueblerinos, al hallar dificultades para fabricar cajas de resonancia ovaladas, las sustituyeron con otras triangulares, al tiempo que reducian el número de cuerdas. La balalaica era el instrumento nórdico por excelencia, fabricado en madera de abeto. En el Mediodía, y sobre todo en Ucrania, se prefería la "cobza", usada por los polovitsianos y tártaro, y la "bandura"de importación occidental (cf. la "bandurria" española). Ambos instrumentos recordaban, por una parte, la guitarra española, y por la otra la "biwa" china; tenían de siete a veinticuatro cuerdas.

El torban, venido de Polonia, era una derivación de la tiorba pudiendo llegar hasta sesenta el número de sus cuerdas. A estos instrumentos añadiremos la "lira" ( una viella con tres cuerdas y once teclas) y el "gudok" (viola con tres cuerdas, de origen tártaro; se utilizaba un arco curvado; las dos primeras cuerdas emitían al unisono un sonido fijo que hacía de bajo continuo).

Los instrumentos de viento eran claramente los mismos que en Europa occidental: desde el siglo XIII existían orquestas en las que había hasta sesenta trompetas. Tenían además el caramillo, "jaleika" (especie de siringa utilizada en los entierros:"jalnik"- que ha dado lugar a "jalet", compadecer- designando una tumba en viejo idioma eslavo), las flautas con cañas, las dobles faltas con cañas (diatónicas), la flauta de pan, la flauta bretona, la zurna, especie de oboe rudimentario, de origen tártaro.

Otros instrumentos de percusión: los "nacres", vasijas de tierra conocida recubiertas con pergamino, golpeadas con bastones o con bolas atadas a correas; las "cucharas" piezas de madera, después de cobre, imitando la forma de una gran cuchara, adornada con campanitas en sus extremos; se golpeaban unas contra otras.

COMPARACION

La música clásica rusa, al igual que la folklórica, tienen raíces basadas en la naturaleza, en lo pagano. La música folclórica, nace de la naturaleza, de la admiración que tiene el pueblo por la fuerza del medio ambiente, es de origen pagano; y así también lo han tomado los compositores de música docta rusa, especialmente los nacionalistas, que por supuesto admiraban las costumbres y la historia de su país. Luego los compositores rusos del siglo XX (que tenían una fuerte influencia nacionalistas de sus escuelas y conservatorios) también basan la música en la naturaleza, un claro ejemplo de esto es “Consagración de la naturaleza” de Stravinsky.

Ejemplos de compositores nacionalistas que basaron obras en temas de la naturaleza son, por ejemplo, “En las Estepas de Asia Central” de Borodin, “Las Estaciones” de Tchaivskosky, “Océano” de Rubenstein, “Las Estepas de Turkmenistán” de Ippolitov-Ivanov, entre otros.

Los compositores rusos eran muy apegados a sus raíces, uno más que otros, mucho más “Los Cinco”, cuyo director, Balakirev, estaba totalmente en contra de cualquier influencia no rusa en la música y en las enseñanzas en los conservatorios.

La historia del país, muy importante también, se ve reflejada en el folklore y en la música docta, por ejemplo, el folklore nació poco a poco entorno a la admiración de los fenómenos climáticos y en el cosmos, que luego fueron adaptadas sus celebraciones y creencias paganas con la llegada del cristianismo. La música docta basa su esencia misma en esto también, en los cambios que vivió Rusia, no sólo en cuanto a religión, sino también en cuanto a política. “La Overtura de 1812” es el más claro ejemplo de esto, o la represión de muchos compositores durante el gobierno de Stalin, muchos de los cuales se vieron obligados a abandonar su patria.

La iglesia ha tenido una influencia fundamental en toda la música rusa, ya sea ésta: folklore, clásica, popular, etc... la iglesia desde que se instaló en Rusia en la época de la llegada del cristianismo, a controlado la expresión musical, y es más, la expresión artística en general, junto a muchos otros aspectos de la vida cotidiana. La iglesia ortodoxa acuñó las fiestas paganas y las “transformó” en las propias, por estar éstas cerca de fechas importantes religiosas. La iglesia, también, prohibió el uso de instrumentos musicales, es por esto que la música no se desarrolló plenamente en Rusia hasta el siglo XIX, dónde encontramos los primeros exponentes de música docta.

El folklore es aún muy popular en Rusia, tiene una fuerte influencia y forma parte fundamental de las vidas de estas personas soviéticas, que son, en general, muy tradicionalistas. Los instrumentos musicales folclóricos se usan incluso en interpretaciones de composiciones “clásicas”.

Por último cabe señalar una gran diferencia entre estos dos tipos de música. Esta diferencia es la estructuración musical, el folklore, a diferencia de lo clásico, es de una escritura anárquica, sin rigidez; en cambio, la música docta, sigue un estilo y una composición de ciertos parámetros, a excepción de algunos compositores (como Stravisky, considerado “El Picasso” de la música), pero en general, sobre todo los nacionalistas, siguieron entre sí ciertas normas en la elaboración de sus composiciones.